LO HOBBIT - UN VIAGGIO INASPETTATO di Peter Jackson

Come ben sanno i “devoti ed appassionati” di J.R.R. Tolkien il libro fondante de “La saga dell'anello” - e dove in principio viene rivelato lo sconfinato e fascinoso teatro de “la terra di mezzo” - è un libricino di appena poco più di trecento pagine: “Lo Hobbit”.

All'inizio della storia, in un buco della terra de “la contea” viveva Bilbo Baggins, tranquillo e spensierato; nel mentre, senza che questi ne avesse il benchè minimo sentore, la città fortezza di Ereborn, colma d'oro e di diamanti, veniva colpita da distruzione e fuoco per opera di Smaug, il terribile drago sputafiamme.

I nani, ovvero gli abitanti di Ereborn, sono così cacciati dalla loro stessa casa. Alcuni di loro si riuniranno però tempo dopo, chiamati a raccolta da Gandalf  “il Grigio”, per organizzare la riconquista del loro regno: luogo di ritrovo, prima di partire per la grande avventura piena di difficoltà e pericoli, la casa del pacifico Hobbit Bilbo Baggins: ad ora di cena ed a sua completa insaputa!

Era inevitabile che Peter Jackson mettesse mano al “libro origine” della terra di mezzo, vuoi per il successo miliardario e planetario dei primi tre episodi cinematografici da lui diretti, vuoi perchè proprio questo era all'inizio il suo maggior desiderio, prima ancora di girare la trilogia de “Il Signore degli Anelli”.

Stesse location, stessi sceneggiatori (Philippa Boyens, Fran Walsh e lo stesso Jackson) più Guillermo Del Toro - che a dire la verità nel progetto iniziale avrebbe dovuto trovarsi in cabina di regia – e grande dispendio di mezzi e di tecnologia, se possibile ancora più che in precedenza, con fotogrammi sparati sullo schermo alla velocità di 48 al secondo!

Ma la scelta di suddividere in tre parti anche questa storia, avendo a disposizione molte meno pagine che nella precedente occasione alle quali attingere – anche se si è provveduto a rinvenire appunti e compendi vari - sembra essere solo la prima delle difficoltà tra le quali Jackson e soci hanno dovuto districarsi e ne abbiamo una chiara percezione soprattutto nella prima ora della pellicola, che trascorre quasi per intero  passando in rassegna tutti i nani ed i vari “ospiti” che si presentano al desco dell’inebetito Bilbo.

Per farci trascorrere questo lungo frangente mangereccio senza darci troppo tedio, mentre si gozzoviglia della grossa svuotando una nutritissima dispensa, vola qualche battuta da osteria fuori testo e Gandalf all'occorrenza “infioretta” futili amenità sull'origine del golf.

Poi, all'indomani, i vecchi guerrieri (o quella che si appresta a divenire la compagnia della leggenda) saranno pronti a partire verso la “terra promessa” sotto la guida di Thorin Scudodiquercia (interpretato dal nuovo arrivo Richard Armitage) ed assieme a loro, ovviamente,  un titubante “mezzo uomo” avvezzo più al tiro alle castagne che a battersi con ascia o spada.

Il viaggio verso le “terre selvaggie” viene proposto da Jackson con un uso ridondante di maestose riprese aeree che, a dire il vero, più che condurre il suo lavoro a guadagnarsi definitivamente la patente di epico e leggendario stancano un po’  l'occhio dello spettatore mentre rimbalza freneticamente tra cielo e terra spossandosi nel vorticoso sali-scendi.

Anche la prima trilogia non era certo avara nel proporre imponenti scenari ed un massiccio uso di vertiginose riprese dall’alto ma riusciva probabilmente a bilanciarle con momenti piu’ intimi e “realistici”, grazie ai quali virtuosismo e concretezza giungevano alla  loro posizione di equilibrio.

Chiaramente non si risparmiano incontri con Orchi e Troll “repellenti e citrulli”, questi ultimi alle prese con le loro “pericolose e vomitevoli” ricette; nel lungo peregrinare nel  bosco faremo la conoscenza anche di uno strano personaggio che si fa trainare da una slitta di conigli, coglie funghi allucinogeni e fa l'aerosol ai porcospini: è lo stregone Radagast “il Bruno”, sulla cui trasposizione in carne ed ossa Jackson sembra un pochino calcare la mano in quanto a facezie, fino a farcelo sembrare quasi un fumato hippie con stracci da barbone piuttosto che un misterioso tipo dai poteri magici.

A dire il vero in questo “Lo Hobbit” si mantiene un passo davvero adeguato solo quando ci si immerge nei combattimenti, al solito frenetici, caotici e visionari come nei precedenti episodi e, soprattutto, quando entrano in scena i personaggi di “Azok il profanatore”, un orco pallido e cattivissimo che cavalca un bianco mannaro ed infine quando (ri)compare l'attesa primadonna “Gollum” (fantastica animazione digitale che parte dalle movenze dell’attore Andy Serkis), che sfiderà agli indovinelli lo scaltro Bilbo nello stesso frangente in cui questi si approprierà di “sua maestà l'anello” e ne scoprirà alcuni dei suoi magici poteri.

Il resto è già storia cinematografica alla quale sinceramente questo “nuovo primo episodio” per il momento poco aggiunge, a parte nuovi paesaggi incredibili  ed un turbinare di nomi fantasiosi di strani personaggi che,  sciorinati tutti assieme, rischiano di disorientare i neofiti del tutto a digiuno della saga, costretti magari ad annaspare tra diverse incomprensioni, rimandi e persino un po' di noia.

Mentre è lontano da venire il momento topico – rimandato ai prossimi episodi - quando l'ultima luna d'autunno cederà il passo al primo sole d'inverno così che la porta della montagna potrà mostrare come accedere oltre il suo valico, la lotta tra bene e male fa soltanto capolino tra gli scintillanti avvenimenti e Gandalf intanto ritaglia per noi qualche parola intensa giusto dal cuore filosofico e  morale del racconto, quando allude alle piccole cose come la gentilezza o i gesti quotidiani che tengono a bada l'oscurità, ovvero una metafora fantasy dell'umana solidarietà e della irrinunciabile nobiltà d'animo senza le quali la vita sarebbe un insostenibile esercizio di puro egoismo fine a se stesso.

Poi sono ancora ragni giganti, orde ruggenti di orchi contro la “feccia nanica”, ponti sospesi nel vuoto ed enormi pietre rotolanti che sbaragliano corpi d'ogni forma per l'aria, come fossero inanimati birilli.

Mentre Gandalf dedica più volte il suo tempo (e quello dei 164 minuti del film) a contare  i nani  (sono in tredici, non v’è dubbio!...) “Lo Hobbit” pare dimenarsi sullo schermo in una specie di “agitato stallo”, indeciso se il tempo di partir per l'avventura sia già scoccato o facendoci sperare di aver solo rimandato l'appuntamento al prossimo Natale.

TUTTO TUTTO, NIENTE NIENTE di Giulio Manfredonia

Cetto La Qualunque, politico di lungo corso, è sempre lui: “il lupo perde il pelo ma non il pilu”, anche se stavolta per rinfrancare la sua virilità avrà bisogno di sdraiarsi sul lettino dello psicanalista. A dieci avvisi di garanzia si regalerà una mountain bike mentre si prepara serafico per un – breve – soggiorno nelle patrie galere.

All’eventualità di finire in prigione invece – anche se le cose andranno diversamente - nemmeno ci pensa il secondo dei tre personaggi interpretati da Antonio Albanese nel nuovo film girato ancora una volta con Giulio Manfredonia dal titolo “Tutto tutto, Niente niente”; trattasi dello sconvoltissimo Frengo Stoppato (vecchia conoscenza televisiva), candidato anch'esso - “in contumacia” - da una madre (Lunetta Savino) che per tenerselo vicino anziché farlo tornare nel lontano Sud-America farebbe letteralmente di tutto: anche farlo carcerare!

Un'altra buona strada per ottenere lo scopo potrebbe essere quella di riuscire a farlo beatificare in vita: la religione de “l'amore cosmico” cerca proseliti anche se vacilla di fronte al mistero della morte, senza poter sapere se nell'aldilà ci sarà un centro commerciale e, soprattutto, qualcuno che avrà da accendere!

Chiude la terna Rodolfo “Olfo” Favaretto, politicante e scafista per cui l'Italiano è una lingua superata: sbarca direttamente in laguna sotto il Ponte di Rialto barche piene di extra-comunitari pronti a prestare la loro manodopera in un campo di lavoro a basso costo e senza pause.

Ossessionato dalla secessione e da una bretella che possa collegare “Brachetto di sopra” con “Brachetto di sotto”, conoscerà il disagio del carcere per colpa del primo negro in grado di galleggiare sull'acqua: la “nemesi carceraria” sta nel nome dell'istituto ovvero il “Martin Luther King”.

In un rutilante tripudio di pacchiano e grottesco dai colori accesissimi – dal viola al rosa e fino al giallo canarino – i tre protagonisti abitano un mondo dove i ministri hanno acconciature improbabili (vedi Fabrizio Bentivoglio) e colletti d’altri tempi; svolgono le loro sedute in un parlamento dove si sventolano bandiere da stadio ed in terra  ci sono tappeti rossi da palasport, giocano in cortile con il pallone come bambini mentre un attimo dopo sembrano  ora degli sprovveduti massoni, ora senatori dell'antica Roma vestiti da Armani o Calvin Klein.

Ci sarebbe di che ridere e lo si vorrebbe anche molto mentre si  assiste alla proiezione, salvo rendersi conto che dopo un'ora comincia ad affacciarsi qualche sbadiglio e pare di esser ancora sul punto di partire.

Questo l'effetto dell’accatastarsi, una dietro l'altra, di gags tronche e senza nemmeno un briciolo di legame tra loro, meno che mai di aiuto all'evoluzione  ed alle dinamiche della storia nel suo insieme: puro sprizzare di fantasia senza meta, coraggiosa sfrontatezza senza alcuna direzione!

E dire che Frengo col suo personaggio fuori dalle righe ha persino licenza di sparare bordate pesanti su temi come la famiglia tradizionale e la fecondazione artificiale ma il meglio che riesce ad offrirci è poco più del suo vestito sgargiante che pare uscito da una foto di “LaChappelle”: come “delfino del Papa” propone abbellimenti per le encicliche e di aumentare dall'otto per mille all'otto per cento l'apporto dei contribuenti italiani alla chiesa.

L'acme potrebbe essere un dementissimo incubo al ritmo del “Tuca Tuca” della Carrà ma anche questa divertente intuizione ripiega presto le ali e non lascia particolare ricordo di se.

In un montaggio dove i personaggi si alternano per tutta la durata del film si spera che noia e delusione mutino almeno in simpatia ed affetto verso le tre impossibili ed esilaranti creazioni di Albanese ma la bravura del comico concede solo un pochino di accademia attorno alle caratteristiche dei suoi personaggi, senza mai azzeccare peraltro la battuta al fulmicotone da passare ai posteri.

Nessun soggetto solido ed interessante supporta i “soggetti allo sbando” che finiscono inevitabilmente per affogare nella ridondanza di stravaganze che li contornano, mentre probabilmente gran parte del pubblico nemmeno se ne accorge ma certo si domanda perchè non rida a crepapelle come sperato mentre acquistava il biglietto d'ingresso.

Occasione sprecata: un baule pieno di idee buone per un film che qualcuno ha dimenticato di costruire - dalla Maria Assunta Maddalena sorella di Frengo al campo militare dove si prepara un esercito cinese a secedere il Nord dal Sud - “Tutto tutto, Niente niente” è abbondanza comica allo sbando, ricchezza di proposte che delude, rimandando ad ogni istante alla prossima occasione; una promessa rinnovata e mancata di continuo ad ogni fotogramma, capace di regalare solo poche sporadiche e raffazzonate situazioni comiche, risate soffocate ed in controluce qualche sinistro bagliore di divertita amarezza.

Forse il meglio era già stato dato con il molto ben costruito “battage” pubblicitario delle “vere primarie” e che, ripensandolo a posteriori, fa rimpiangere che si sia proseguito oltre con il tentativo di questo sedicente lavoro  cinematografico.

RALPH SPACCATUTTO di Rich Moore

Trent'anni a fare il cattivo in un videogioco (“Felix Aggiustatutto”) possono logorarti, specie se i tuoi “colleghi di lavoro” decidono di festeggiare l'anniversario del terzo decennale e nemmeno pensano di invitarti.

Così, quando la sala giochi chiude per la pausa e gli schermi sono spenti, a Ralph non rimane che condividere le sue frustrazioni nelle riunioni dei “cattivi anonimi” e trovare un po’ di solidarietà in compagnia di qualche zombie o dei fantasmi del “Pac-man”, confessando la sua invidia nei confronti del buono “Felix”,  che da sempre lo tiene in ombra ed è adorato da tutti, mentre lui è relegato a vivere in una discarica.

Ma solo una cosa in realtà potrebbe risolvere i suoi problemi: essere un buono, anzi un eroe almeno per un giorno e conquistare una medaglia che ne certifichi le gesta.

Ed allora Ralph decide di evadere dal suo gioco: si nasconde in una armatura e si trasferisce dentro “Hero's Duty”, pronto a combattere disgustosi scarrafoidi per procacciarsi la patente di intrepido coraggioso. Le cose sembrerebbero marciare per il verso giusto e l'ambito premio arrivare, ma il destino dirotterà fortuitamente il nostro protagonista in un altro videogioco ancora,  tra kart caramellati e laghi di Nesquik. 

Rich Moore - con la supervisione di Lasseter e soci -  strizza l'occhio ai quarantenni d'oggi che si baloccavano in sala negli anni '80 con i videogiochi ad “8 bit” (per l'appunto “Fix it Felix” è ispirato a “Donkey Kong”) cercando un ponte con i piccoli d'oggi alle prese con i più sofisticati Nintendo e Play Station (ed ecco allora  una concezione grafica più moderna come quella di “Hero's Duty”): il divertimento che ne scaturisce non è da poco e le buone idee davvero non mancano.

Come in “Toy Story” i protagonisti dei giochi hanno una vita autonoma e stavolta, tramite i fili elettrici che alimentano i videogames, nei momenti di “pausa lavoro” si spostano da una macchina ad un’altra per confluire nell'ampio ed affascinante scenario di smistamento della “Game Central Station”.

Gran parte della storia è ambientata  nei paesaggi coloratissimi di un gioco chiamato  “Sugar Rush”, un mondo di  lacci gommosi, stalattiti di Mentos e laghi di Diet Cola, che però si rivelerà esser uno “zuccheroso antro di tenebra” governato dall'ambiguo “Re Candito” –  qui tutto l’immaginario visivo sembra essere in verità alquanto debitore  di “Alice nel paese delle meraviglie” - e dove Ralph conoscerà la piccola Vanellope, una deliziosa ragazzina-pilota con qualche “pixel ribelle”,  per la precisione un “glitch” (un errore di programmazione digitale), anche lei alla ricerca della sua giornata di gloria e di riscatto, ovvero qualcuno che nutre i suoi stessi desideri e che la “vita” (…) ha obbligato ad un analogo  modo di sentire.

Difatti “Ralph spaccatutto”, tra momenti di riuscita elaborazione grafica della fantasia e piccole battute memorabili tra “scambiogiochisti”, di certo non difetta in quanto ad elargire morale e buoni sentimenti e mentre i protagonisti fuggono inseguiti dai cani biscottati ecco che ci viene suggerito che di certo non servono  medaglie per esser importanti ma che forse basta un pochino di gentilezza per risolvere ogni problema, che tutti nella vita, come nei giochi, hanno un ruolo ed ognuno ha bisogno vicendevolmente degli altri – difatti nel momento in cui Ralph abbandona il campo il suo gioco va in tilt e viene messo fuori servizio, facendo rischiare a tutti i suoi protagonisti di finire… all'ospizio – e che ogni lavoro è utile e mai bisogna desiderare di esser qualcun altro.

Insomma, ancora una volta la Pixar ci offre il film giusto per avvicinare i più piccoli, con spensieratezza e navigando tra buon gusto e graziose invenzioni visive, a quelle che sono  le cose che davvero contano nella vita e sicuramente  non inadatto a ricordarlo altrettanto a noi adulti, perchè “Ralph spaccatutto” di certo non è vietato a chi è ancora giovane nell'animo.

Imperdibile, in abbinamento al film, il delizioso corto animato  “Paperman” di John Kahrs, sette poetici  minuti  che con grazia sopraffina portano in volo i nostri sogni d’amore sopra aerei di carta.

Così, tra una sfrenata corsa di automobili con gli  alettoni fatti di merendina e mentre Felix/Mario Bros fa gli occhi dolci al Sergente Calhoun, sterminatore di scarafaggi spaziali con un passato  tormentato, Ralph capirà che la vita si affronta con pazienza ed amorevole  dedizione giorno per giorno, anzi: una partita alla volta!

LA BOTTEGA DEI SUICIDI di Patrice Leconte

La crisi ti opprime ed angustia la tua vita? In fondo al viale c’è la bottega della Famiglia Touvache che ti aiuterà  a risolvere “definitivamente” il problema: perché una volta morti non ci sarà più di che lamentarsi!

Nel loro “Magazines des suicides” potrai trovare certo  una soluzione per abbandonare le tue sofferenze: dalla classica corda in canapa con nodo scorsoio già pronto (o in un sintetico più economico)  ad una pistola fornita di una sola pallottola (a cosa dovrebbe mai servire la seconda?); se gradite una dipartita indimenticabile e di grande levatura a soli ottocento euro (..!..) ecco  un “seppuku” in stile giapponese altrimenti vi conviene accettare l’offerta di un sorso di “Veleno Nr.5” oppure, se siete in coppia, c’è pronta per voi l’offerta di San Valentino: “Death for two”.

Insomma, suicidi per tutti i gusti ed in confezione regalo (che fa piu’, ehm, allegria…) e se la vostra vita è stata un fallimento, beh, fate almeno che la vostra morte sia  un successo!

Per i Touvache - papà, mamma e due bambini perennemente con il broncio, che quando soffiano sulle candeline per il loro compleanno festeggiano un anno in meno che gli resta da vivere -  il macabro business continua a gonfie vele e mentre i clienti riempiono le casse da morto loro riempiono di fruscianti bigliettoni la cassa del negozio.

Fino a che un giorno nasce il terzogenito Alan, un bambino “incomprensibilmente” allegro e dal sorriso insopprimibile…

“La bottega dei suicidi” (tratto da un romanzo di Jean Tulè) vorrebbe esser una godibile commediola nera e magari strizzare pure un pochino l’occhio a Tim Burton e le sue atmosfere cupe - ma sempre prodighe di invenzioni poetiche, fantasiose e magiche - e per il tratto del disegno al connazionale Sylvain Chomet.

Ma non basta qualche battuta azzeccata e nemmeno uno straccio di “invenzione vera” per ottenere un buon  risultato e difatti il film di Leconte tira i remi in barca fin da principio, rassegnandosi prima a mostrarci in sequenza un piccolo campionario di aspiranti suicidi, accogliendo poi l’arrivo dell’elemento destabilizzante – e salvifico - ovvero il neonato ostile alla tristezza ed ai musi lunghi e dirigendosi poi tra musica, odor di crepes e bolle di sapone verso un  finale di certo non sorprendente.

Sembra in verità di transitare dall’inizio verso la fine saltando a piè pari un qualunque ipotetico sviluppo nel mezzo, porzione di tempo abbandonata dalla sceneggiatura dove si accenna solo alla rinfusa e con vaghezza al rimorso, alla gioia di vivere che è contagiosa e, manco a dirlo, all’amore che tutto risolve.

Inoltre Leconte sceglie di intervallare la sua animazione a tempo di “musical”, affidando ad Etienne Perruchon il compito di riempire il pentagramma e tenendo per se stesso quello di scriver le parole, ma entrambi volano troppo basso per poter lasciare il segno ed anzi, tediandoci persino con composizioni e vocaboli ordinari di nessun impatto emozionale.

Resta inspiegabile l’abbaglio della censura Italiana che aveva inizialmente imposto un divieto addirittura ai diciotto anni provocando il ritiro della distribuzione del film.

La motivazione recitava incredibilmente così: “…la leggerezza con cui è trattato il tema dei suicidi e la facilità d’esecuzione, con forti rischi di emulazione da parte di un pubblico piu’ giovane, quali gli adolescenti (…?!...) che attraversano un’età critica. Per di piu’ la rappresentazione sotto forma di cartone animato costituisce un veicolo che agevola nel pubblico piu’ giovane la penetrazione di tale messaggio pericoloso.”

A conti fatti e dopo aver visionato una pellicola che con fin troppa cautela e nessuna inventiva o ispirazione poetica tenta di ergersi al di  fuori delle convenzioni, occhieggiando con distrazione al politicamente scorretto,  le grottesche ed insensate parole dei nostri “padri controllori” sono di gran lunga l’argomento più interessante del quale dibattere attorno a questo film.

E SE VIVESSIMO TUTTI INSIEME? di Stephane Robelin

Dalla Francia arriva una piccola e piacevole sorpresa ad opera di Stephane Robelin che con il suo “E se vivessimo tutti insieme?” porta sullo schermo una situazione accattivante ed inconsueta: cinque  amici di vecchia data sul viale del tramonto e della pensione (due coppie ed un inguaribile single) si ritrovano, quasi per caso ma niente affatto fortuitamente,  a vivere tutti  sotto lo stesso tetto.

Mentre affiatamento ed amicizia vengono messi alla prova dalla nuova circostanza di conviventi “inseparabili”, dai  bauli portati dai vecchi appartamenti riemergono antiche lettere rivelatrici di  tradimenti databili quarant’anni orsono che però  oramai, spogli del potenziale necessario ad innescare un forte risentimento,  risultano esser alla stregua, se non proprio di dolci ricordi, quantomeno di perdonabili errori.

Nonostante questo,  durante i  confronti e le richieste di chiarimento che, per urgenza o necessità, si manifesteranno all’improvviso -  attorno ad una tavola e “dentro la piscina” (…) -   con il vino versato nei bicchieri non si brinderà affatto ed anzi le bottiglie voleranno per l’aria.  

Robelin affronta con i toni della commedia ma senza superficialità un tema spesso al margine della narrazione cinematografica come quello della terza età e di tutte le sue implicazioni, come  ad esempio la solitudine o l’autosufficienza,  senza tralasciare nemmeno (o soprattutto) quel che riguarda la sfera sessuale ed i suoi desideri (al riguardo di questi ultimi, qualche anno fa si cimentò con l’erotismo senile,  avendo nella circostanza una  mano piuttosto felice, il regista Andreas Dresen con il suo “Settimo cielo”).

Gli anziani non sono angeli asessuati ed ancora di meno “vecchi arnesi” da depositare in infelici discariche umane quali risultano spesso essere le cliniche ed i pensionati;  proprio da una -  esilarante - “fuga dalla casa di riposo” ecco che subito dopo muterà in realtà il progetto di convivenza fino ad allora solo spensieratamente ipotizzato dal gruppo di amici protagonisti della pellicola.

Nel cast, oltre a Jane Fonda (Jeanne) e la padrona di casa Geraldine Chaplin (Annie) ci sono anche i mariti di queste, rispettivamente Albert (Pierre Richard) e Jean (Guy Bedos), assieme allo scapolo impenitente Claude (Claude Rich); in ultimo il giovane etnologo Dirk (Daniel Brühl), che li affianca durante la giornata per raccogliere elementi utili alla sua tesi di laurea.

Quel che senza dubbio accomuna gli esuberanti protagonisti è, con comportamenti differenti,  un approccio alla terza età niente affatto arreso al declino anticipato e definitivo della propria esistenza dal momento che ognuno di loro, con vera consapevolezza o meno, rigetta risolutamente l’ipotesi di doversi risolvere solamente ad essere il meno fastidioso possibile agli altri  per via dell’età avanzata o degli acciacchi ad ogni giorno più preoccupanti.

Non ci si negano quindi appuntamenti - a rischio cardiopatico - con le “allegre signorine” che praticano il mestiere più antico del mondo e, nonostante la memoria cominci ad esser labile ed il passo claudicante, si porta a spasso il cane rischiando di perder la strada di casa o di inciampare sul marciapiede; si fa “shopping” dentro negozi “sui generis” - non senza lasciar emergere una “inusuale nota di colore”-  allo scopo di avere una panoramica sugli impegnativi e “particolari” acquisti di domani (con data rigorosamente da destinarsi!).

Il tempo è prezioso ma la gente non ne ha più nemmeno per cucinare, così come ci si preoccupa di assicurare l’automobile e persino la vita ma nessuno pare davvero impensierito da quello che lo aspetterà negli ultimi anni di questa, tranne forse rendersene angosciosamente conto nel momento in cui l’appuntamento con la verità non risulterà piu’ rimandabile.

Quello che il regista Francese riesce a mettere a fuoco con il suo film sono alcune piccole sfumature di questa fine di percorso, scegliendo per farlo il set di una anomala situazione di convivenza capace di mettere in risalto tanto gli aspetti della piccola spontanea solidarietà come quelli del mutuo soccorso, tracciando magari una strada che nel futuro prossimo, chissà,  sarà più battuta che oggi per risolvere alcune “inderogabili questioni”.

Il suo racconto è leggero senza però la volontà di evitare gli accenti gravi, sui quali non ci si ferma a rimuginare o a scavar troppo in profondità,   rendendo comunque ben chiare le sensazioni e le conseguenze che ne derivano.

Non abdicate alla vita: rimanete vicini a chi vi è caro e davvero ha nel cuore le vostre sorti ed assieme troverete una soluzione. Sembra questo in fondo il messaggio che potremmo cogliere dal lavoro di Robelin e dal modo di affrontare l’esistenza dei suoi protagonisti, ben consci che alle volte anche gli eventi più tristi possono comunque “colorarsi di rosa” e che ogni brindisi deve rafforzare la voglia di restare uniti, anche se una volta poggiati i calici ci si dovesse accorgere che qualcuno mancava alla bevuta:  e allora non resterebbe altro da fare  che andare tutti assieme a cercarlo!